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4세대 걸그룹의 청량한 각축전 ‘탄산 전쟁’

'코카콜라 맛있다. 맛있으면 또 먹어' 일명 ‘척척박사’로 알려진 이 노래의 가사는 지역별로 그 변형이 수십 가지에 달할 정도로 오랜 시간 대중들에게 사랑받는 구전 동요이다. 최근 이 가사를 이용한 노래가 발표되어 큰 화제가 되었다. 바로 걸그룹 ‘뉴진스’와 ‘코카콜라’가 콜라보 한 CM송 ‘Zero’이다. 앨범 ‘Zero’와 그룹 ‘뉴진스’ / 출처 : 어도어(ADOR), 코카콜라 기존 CM송의 짧고 간결한 개념이 아닌, 약 3분가량의 음원으로 제작된 ‘Zero’는 코카콜라와 뉴진스의 특징을 잘 조합하여 발매되자마자 국내 실시간 음원차트 1위와 함께 뮤직비디오 역시 1700만 회의 조회 수를 기록하는 쾌거를 이루었다. 뉴진스를 상징하는 토끼 캐릭터가 코카콜라의 상징인 빨간색으로 물든 앨범 커버를 비롯해, 뮤직비디오에 담긴 평행우주 설정은 그동안 뉴진스가 ‘Ditto’, ‘OMG’등의 여러 뮤직비디오에서 보여주었던 세계관의 특징과 흐름을 코카콜라 역시 잘 캐치했다고 보인다. 이에 질세라 ‘펩시콜라’는 걸그룹 ‘아이브’(스타쉽 엔터테인먼트, 이하 스타쉽)와 손을 잡았다. 그들이 공개한 음원 ‘I WANT’는 단순한 비트와 반복적인 멜로디를 강조하여 차별화를 두었으며, 앨범 커버와 뮤직비디오를 통해 펩시의 상징인 파란색과 로고, 음료를 전면에 내세웠다. 앨범 ‘I want’와 그룹 ‘아이브’ / 출처 : 스타쉽엔터테인먼트, 펩시 뉴진스의 ‘Zero’보다는 광고성이 짙게 느껴지지만, 중독성 있는 멜로디는 누구나 쉽게 따라 부를 수 있어 대중에게 보다 친근하게 다가가고 있다. ‘Zero’는 코카콜라와 뉴진스의 특징이 잘 녹아든 한편의 드라마라고 본다면, ‘I WANT’는 청량한 젊음을 발산하는 한여름밤의 축제에 온듯한 기분을 선사한다. 사실, 펩시콜라와 스타쉽의 콜라보는 이번이 처음이 아니다. 지난 2018년, ‘펩시 스트롱’을 홍보하기 위한 프로젝트 걸그룹 ‘우주미키(우주소녀&위키미키)를 비롯해 매년 ‘PEPSI X STARSHIP PROJECT’를 진행하며 콘서트까지 개최하고 있다. 걸그룹 ‘(여자)아이들’ 역시 롯데칠성음료 ‘탐스제로’의 홍보모델로써 1분가량의 CM송과 뮤직비디오를 발표한 이력이 있다. ‘탐스제로’의 시그니처인 주황색 계통의 뮤직비디오는 멤버들의 개성과 톡톡 튀는 분위기를 표현하는데 충분했다. 탐스제로 홍보모델 그룹 ‘(여자)아이들’ / 출처 : 롯데칠성음료 ‘뉴진스’와 ‘아이브’같은 코카콜라와 펩시의 경쟁구도는 사실 오래전부터 존재해왔다. 일명 ‘콜라전쟁’이라고 부르는 이 구도는 1980년대로 거슬러 올라간다. 음악이 가진 대중성과 문화적 영향력은 그 어떠한 것보다 강력하기에, 브랜드는 음악 또는 아티스트를 통해 소비자와의 소통을 원했다. 이는 아티스트의 관점에서도 긍정적인 제안일 것이다. 브랜드는 아티스트와의 콜라보를 통해 그들의 팬층을 고객으로 전환할 수 있고, 아티스트는 브랜드의 소비자를 기반으로 대중에게 더욱 가까이 다가갈 수 있기 때문이다. 실제로 펩시는 ‘마이클 잭슨’, ‘비욘세’등과 같은 유명 팝스타와 마케팅을 진행한 적 있으며, 코카콜라는 ‘Coke Studio’라는 젊은 아티스트와 다문화 음악을 지원하기 위한 프로그램을 만들었다. 뉴진스의 ‘Zero’ 역시 ‘Coke Studio’를 통해 발표되었다. 마케팅의 교과서와 같은 ‘콜라전쟁’이 한국에서 일어났다는 사실은 놀랄 일이 아닐 수 없다. 분명 K-POP의 인기와 음악산업이 세계적인 영향력을 행사하고 있다는 방증일 것이다. 글=오지헌 칼럼니스트(STUDIO AM 대표)
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2023-08-10
들리는 색, 보이는 소리 '공감각과 예술'

‘파아란 바람이 분다’ ‘너의 목소리는 하얀색이야’ 마치 한 편의 시와 같은 이 표현들은 그저 문학 속에만 존재하는 상상의 모습일까. 우리의 뇌는 보통 ‘음식-미각’, ‘소리-청각’과 같이 각각의 자극과 반응이 기능적으로 이루어진다. 하지만 앞선 표현들이 실제로 존재하는 불가사의한 현상의 경험이 있는데, 이를 공감각이라고 한다. 단순히 음식을 먹을 때 ‘미각과 후각’이 함께 자극되어 맛이 극대화되는, 단순한 감각의 혼재가 아닌 색을 보고 맛을 느낀다거나, 냄새를 통해 어떠한 소리가 들리는 등 전혀 관계가 없을 것만 하나의 자극에 대응하여 다른 감각이 영향을 받는 것이다. 공감각을 다룬 만화 <냄새를 보는 소녀> 이 중, 어떠한 색을 보았을 때 소리가 들린다거나 어떠한 소리를 들었을 때 특정한 색이 보이는 등 시각과 청각의 관계에 있는 공감각을 ‘색청’이라고 하며, ‘색과 소리’의 관계는 자연스레 예술가들 사이에서 주장되어 왔다. 칸딘스키는 색청 공감각을 주장한 대표적인 예술가이다. 그는 “색이 피아노의 건반이라면 눈은 피아노의 줄을 때리는 해머이며 영혼은 여러 개의 현을 가진 피아노이다”라고 말하며 그의 공감각적 능력을 주장했다. 또한, 뮌헨에서 열린 쇤베르크의 연주에 감명받아 자신이 연주를 통해 보았던 색과 이미지를 그의 작품 ‘인상 3-콘서트’로 그려냈다. 칸딘스키의 작품 ‘인상 3-콘서트’ 출처 : wikimedia 또한, 예술가는 아니었지만 색청 공감각을 주장한 사람은 다름 아닌 아이작 뉴턴이다. 최초로 빛의 스펙트럼을 이용해 무지개색을 발견한 그였지만, 사실 최초의 분류는 5가지 색이었다. 음악과 미술에 관심이 많았던 그는 음악의 음과 스펙트럼의 색이 서로 연결되는 법칙이 있을 것이라고 믿었으며, 돌연 음악의 7음계와 색이 연결된 개정된 논문 ‘Lectiones Optice’를 발표하게 된다. 우리가 알고 있는 7가지의 무지개 색이 탄생하게 된 순간이다. 다소 허무맹랑하다고 말할 수도 있겠지만, 색청 공감각의 이야기는 실제 뇌과학에서 증명이 된 내용이며, 지금도 수많은 형태로 표출되고, 표현되고 있다. <무의식 : 공감각 Color-hearing> 전시 출처 : ABMS 하지만 항상 그렇듯, 이 멋진 현상을 이용해 단순히 화려함으로 치장한 가짜들 역시 득세하고 있다. 심지어, 대학에서조차 융합예술이라는 미명하에 공감각이라는 단어를 그럴싸하게 포장하고 아무런 개연성도 없는 색과 소리, 이미지들로 가득한 작품을 보고 있노라면 작가의 책임과 양심은 어디에 있는가라고 자문하게 된다. 예술이 스스로 사유해야 한다는 관점에서는 성공했을지도. <듣는 나라의 앨리스 : Through the Listening Glass> 전시 출처 : 토탈미술관 색청 공감각은 어쩌면 가장 원초적인 형태의 감각일지도 모른다. 인간은 다감각의 동물이며, 태양이 떠오르는 순간부터 색은 존재했고 공기가 만들어진 순간부터 소리가 시작되었기 때문이다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2023-02-14
[오지헌의 음악읽기] '애랑이 넘실' 국악의 세계화

지난 10일, 공연 ‘애랑의 넘실’이 성황리에 막을 내렸다. 한국 고전소설 ‘배비장전’을 현대적으로 재해석한 ‘애랑의 넘실’은 국악과 양악의 융합적 시도 아래 기존의 모든 예술적 연출로부터 탈피한 실험적인 구성으로 눈길을 끌었다. 제주교향악단, 제주무용단, 제주합창단, 서귀포관악단, 서귀포합창단 등 5개의 도립예술단이 합심으로 무대를 채운 ‘애랑의 넘실의 대표 주제는 소통과 화합이다. 통상적으로 대형 공연에서는 관객의 시선과 무대의 크기 등의 이유로 연주자들이 ‘오케스트라 피트’로 내려가 연주하는 게 일반적이다. 하지만 ‘애랑의 넘실’은 합창단을 포함한 모든 연주자가 무대 위에 어깨를 나란히 했다. 한 무대에 모든 도립예술단이 오르는 것은 이번이 처음이다. 음악과 무용단의 합심도 다소 실험적이다. 일반적으로 무용은 미리 제작된 음원을 사용한다. 수없이 연습한 연기는 익숙한 음악의 박자로부터 정확한 표현과 리듬이 가능하기 때문이다. 하지만 ‘애랑의 넘실’은 모든 음악을 연주자들이 라이브로 연주함으로써 기존의 관례를 깨뜨렸다. ‘제주교향악단’, ‘제주합창단’, ‘서귀포합창단’의 연주에 맞춰 연기하는 ‘제주도립무용단’ 오케스트라의 특성상 그 박자와 표현은 지휘자의 판단에 조금씩 달라질 수 있기에, 모든 연주가 컴퓨터 음악처럼 정확한 박자에 맞을 수 없다. 더군다나 합창단과 관악단까지 가세한 큰 규모의 공연에서는 연주자 간의 거리가 멀어 서로의 소리가 잘 들리지 않기 때문에 오로지 지휘자에게 의지할 수밖에 없게 된다. 연주자들 간에 조금씩 틀어지는 박자감은 그 미세한 차이들이 만드는 풍성한 음악의 중요한 ‘인간미’일지는 몰라도 무용단의 입장에서는 다양한 변수로 작용하는 실험적인 무대인 것이다. ‘애랑의 넘실’의 주제인 소통과 화합의 가장 큰 특징은 국악과 양악의 조화를 시도한 음악에서 찾을 수 있다. 사실 국악의 어법은 서양음악과 뿌리부터 다르다. 클래식의 화성적 완성인 오케스트라는 정교하고 논리적인 체계로부터 발전되어 왔다. 수많은 악기는 12음계 속에서 철저하게 계산된 악보를 통해 연주된다. 주어진 음역대 안에서 상대의 성부를 침범하지 않은 채 말이다. 반면에, 국악은 다양한 리듬을 바탕에 둔다. 장단이라는 일정한 길이의 리듬은 음악의 큰 틀을 이루고, 음계 역시 5음계를 사용하는 것이 대부분이다. 따라서, 화음의 구조보다는 단일 멜로디가 주로 발전되어 왔으며, 이를 여러 악기가 연주한다. 서양음악의 관점에서 바라볼 때, 국악은 불협을 이루는 금지된 진행으로 이루어진 ‘헤테로포니’의 특성을 가진다. 애랑의 넘실의 서곡을 연주하는 ‘제주교향악단’ 이처럼 전혀 다른 국악과 양악이지만, ‘애랑의 넘실’은 그 둘의 음악적 조화를 시도했다. 국악의 단선율을 바탕으로 한 양악의 일반적인 화성적 대입은 불협화음으로 느껴지기에, 전통적인 통일성보다는 자유로운 국악 문화를 참고하여 새롭고 자유로운 화성 체계로 재조합했다. 일방적으로 감상을 요구하는 양악과는 다르게 함께 관객과 연주자가 서로 뒤엉키며 즐기는 자유로운 마당극의 문화를 음악 편곡에 대입한 것이다. 또한, 흥겨운 우리의 리듬인 ‘장단’을 표현하기 위해 오케스트라가 가진 대부분의 타악기를 적극 배치, 분배하여 국악의 흥이 있는 오케스트라로 탈바꿈하였다. 제주 민요 ‘서우젯소리’를 오케스트라로 연주하는 ‘제주교향악단’과 도립예술단 단원들 이 밖에도 ‘배비장전’의 원작과는 다르게 제주여성(애랑), 외부인(배비장), 제주의 신(소로소와 백주또) 그리고 백성들의 화합에 초점을 맞춘 각본부터, 관객석까지 길게 뻗어 관객과 소통을 가까이하는 무대디자인 등 다양한 연출적 요소에서 모두 국악의 문화와 배경을 바탕으로 했다. 관객석까지 길게 뻗은 ‘애랑의 넘실’의 무대디자인 기존에도 오케스트와 국악의 콜라보는 다양한 단체를 통해 몇 번의 시도가 있었다. 하지만 대부분 서양음악을 국악기로 연주하거나, 국악기가 포함된 오케스트라로 연주한 것들이다. 전통국악을 오로지 오케스트라의 연주로만 표현한 것은 어쩌면 국내 최초의 시도가 아닐까 한다. 우리의 국악을 세계로 알리기 위한 다양한 노력들이 현재 진행 중이지만, 당장 세계인들이 익숙한 오케스트라의 소리로 국악을 알리는 것도 좋은 방향일 것이다. 음악, 무대, 각본, 연출 등 모든 분야에서 혁신적인 공연을 보여준 ‘애랑의 넘실’을 바탕으로 국악과 양악의 다양한 발전적 초석이 되길 소망한다. 글/사진=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-07-26
[오지헌의 음악 읽기] 우크라이나와 음악의 연대

‘멈추지 않는 연주회’가 한창이다. 바로 우크라이나 사태를 계기로 시작된 ‘평화를 위한 작은 음악회’다. 이 연주회는 전쟁이 종식될 때까지 이어질 예정이다. 처음 음악회를 제안한 배일환 교수(이화여대 관현악과)는 '음악의 힘은 칼보다 강하다'라는 신념으로 우크라이나를 위해 릴레이 콘서트를 꾸렸다. 또한, 이화여대 음악봉사 동아리 ‘이화첼리’, ‘이화다움’ 등도 팀의 중심에서 음악회를 이어나가고 있다. ‘한국음악저작권협회’ 역시 음악을 통해 우크라이나를 돕는데 앞장섰다. 멜론, 벅스 등 국내 주요 음원 스트리밍 서비스와 함께 홍보하는 ‘#Songfor Ukraine(우크라이나를 위한 노래)’ 캠페인은 우크라이나 음악을 홍보하고 소비함으로써 우크라이나가 겪는 상황을 널리 알리고, 현지 창작자들의 수입을 제고하는데 목적이 있다. 홍보하는 ‘#Songfor Ukraine(우크라이나를 위한 노래)’ 캠페인 우크라이나를 위한 음악계의 움직임은 비단 국내뿐만이 아니다. 독일 피아니스트 다비드 마르텔로 폴란드-우크라이나 국경 검문소 인근 난민 쉼터에서 희망을 담은 피아노를 연주를 했으며, 미국 시카고 심포니 오케스트라의 리카르도 무티는 베토벤 교향곡 9번 ‘합창’을 지휘하기 전 청중 앞에서 음악이 가진 의미와 함께 우크라이나에 대한 연대의 메시지를 발표했다. 우크라이나 ‘독립광장’에서 연주하는 ‘‘키이우 클래식 심포니 오케스트라 단원들‘ 사진=EPA 연합뉴스 현지 ‘키이우 클래식 심포니 오케스트라’ 단원들 역시 자국 시민들의 사기를 북돋아주기 위해 야외 콘서트를 개최했다. 약 25분간 이어진 이 연주회는 언제 폭탄이 떨어질지 모르는 상황 속에서도 "음악을 통해 우리의 힘을 보여주고 싶다"는 지휘자 헤르만 마카렌코의 말처럼 당당하고 힘차게 울려 퍼졌다. 음악가들은 연주라는 언어를 통해 각자의 메시지를 전달하고 있다. 누군가는 평화를 기원하고, 누군가는 저항과 위로를 담아 저마다의 방법대로 말이다. 영화 ‘타이타닉’에서 이성을 잃은 승객들을 위해 탈출을 포기하고 바이올린을 연주한 ‘윌리스 하슬리’도 분명 같은 마음이었으리라. 음악으로 인해 하루아침에 전쟁이 종식되기는 쉽지 않겠지만, 우크라이나 사태 속 울려 퍼진 화합과 평화를 위한 연주는 어쩌면 음악이 존재하는 가장 큰 이유일지도 모른다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-04-12
동계올림픽의 꽃, 피겨와 음악

지난 10일, 피겨스케이팅 경기장에는 ‘엘튼 존’의 음악이 울려 퍼졌다. 흔히 피겨스케이팅 음악으로 떠올리는 클래식이 아닌 대중음악을, 그것도 리믹스 버전을 선곡한 ‘네이선 첸’은 이 곡으로 ‘2022 베이징 동계올림픽 남자 싱글’ 금메달을 차지했다. ‘엘튼 존’의 ‘로켓맨’을 선곡한 네이선 첸 사진출처=국제 올림픽 위원회 강렬한 인상을 남긴 그의 선곡이지만, 의외로 가사가 있는 음악이 경기에 허용된 건 그리 오래되지 않았다. 기존의 선수들은 연기의 주제와 매력을 어필해야 하는 피겨스케이팅의 특성에 따라 전통적인 클래식에서 오페라와 같은 음악으로 선곡을 변화해 왔다. ‘카르멘’, ‘백조의 호수’와 같이 경기에 자주 등장했던 오페라 음악들은 주제가 분명하기 때문에 조금 더 확실한 메시지를 줄 수 있었기 때문이다. 대표적으로 ‘김연아’ 역시 ‘공주는 잠을 이루고’, ‘밤의 여왕 아리아’ 등을 선곡한 적이 있다. 하지만 음악과 주제에 대한 메시지를 추측하기에 여전한 아쉬움이 많았던 때에, 국제빙상경기연맹(ISU)은 2014-2015시즌부터 피겨스케이팅의 모든 종목에 가사가 있는 음악을 허용했다. 덕분에 선수들은 보다 분명한 주제와 메시지를 표현할 수 있게 되었으며, 관중들 역시 가사를 통해 연기를 쉽게 이해할 수 있게 되었다. 영화 '레미제라블'의 주제곡을 선곡한 유영 선수 사진출처=국제 올림픽 위원회 피겨스케이팅은 경기 중 음악을 통해 예술적인 요소를 가미한 유일한 동계 스포츠이다.‘동계 올림픽의 꽃’으로 불릴 만큼 발레와 춤이 결합된 우아한 연기는 아름다운 음악과 만나 빙판 위의 종합 예술이 된다. 선수들의 연기를 더욱 다채롭게 꾸며주는 다양한 선곡을 감상하는 것도 피겨스케이팅의 또 다른 재미가 될 것 같다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-02-20
'베이징 동계올림픽' 정치적 이슈로 훼손되지 말아야

우여곡절 끝에 ‘2022 베이징 동계 올림픽’이 개최됐다. 신장 위구르, 티베트 등 각종 인권문제와 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)의 등으로 G20 국가 인사 대부분이 불참석한 가운데, 중국이 내건 슬로건은 ‘Together for a Shared Future(함께하는 미래)’이다. 이러한 논란들을 의식한 탓인지 개막식에서는 국제주의적 요소들이 다소 첨가됐다. 특히,‘선수단 입장’과 같은 중요한 순서에서 자국의 전통음악이 아닌 베토벤의 합창, 차이콥스키의 호두까기 인형-행진곡 등과 같은 클래식 음악들이 자주 등장했다. 예술을 통해 문화, 역사뿐 아니라 종합적인 메시지를 전달하는 개막식에서 전통음악 사용이라는 관례를 포기한 것은 과감한 일이었다. 2022 베이징 동계올림픽 엠블럼 하지만, 소수민족 탄압 이슈 속에서도 ‘소시민들의 국기 전달’ 행사에서는 중국 내 56개 민족 대표가 나와 국기에 애정과 유대감을 담아 전달하는 이장폐천(손바닥으로 하늘을 가린다는 뜻)의 모습을 보이기도 했다. 또한, 그 행사 속에서는 한복을 입은 여성이 등장하여 국기를 전달했으며, 다른 전광판의 영상에는 장구를 치고 상모를 돌리는 장면도 포함되어 ‘문화 침탈’이라는 분노의 목소리가 나오고 있다. ‘소시민들의 국기 전달’ 행사는 중국 ‘애국 가요’로 불리는 음악 ‘나와 나의 조국’의 멜로디 속에서 지난 ‘2008년 베이징 하계올림픽’ 때 대두되었던 ‘문화공정론’논란을 다시 한번 점화시킨 것이다. 베이징 동계올림픽 개막식 중계 화면 이미지 출처=KBS 화면 캡처 이러한 베이징 올림픽의 싸늘한 시선 속에서,‘인민에 대한 헌사’에 사용된 팝송 ‘Imagine’의 의미 또한 재조명된다. 사실 존 레넌의 Imagine은 2012 런던올림픽, 2018 평창올림픽, 2020 도쿄 올림픽에도 사용된 적이 있다. 이념과 종교, 인종 등 모든 갈등을 뛰어넘어 평화를 말하는 이 곡은 분명 올림픽에 자주 등장할 법하다. 하지만 무정부주의, 무소유, 반종교주의 등의 사상을 바탕으로 평등한 이상향을 꿈꾸는 가사는 언뜻 보면 평화와 화합을 표방하지만 오묘하게 사회주의와 닮아있다. 실제로 존 레논은 'Imagine'이 사실상 ‘공산당 선언’이라고 발언한 적이 있으며, 이런 내용 때문에 한때 라디오 등에서는 방송이 금지되기도 했다. 존 레논의Imagine 앨범 재킷 올림픽의 정치적 오염이 하루 이틀의 일은 아니다. 지난 도쿄 올림픽의 독도 표기 문제, 중국의 대북 공정 논란 등 역사를 따라가면 수도 없이 많다. 올림픽에서 중요한 것은 ‘정복하는 것이 아니라 잘 싸우는 것이다’라는 말처럼 스포츠는 정치적 간섭을 지양하고, 정직하고 공정한 축제가 되어야 한다. 더 이상 올림픽 정신이 무시되지 않았으면 하는 바람이다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-02-06
동요 ‘설날’에 담긴 전통을 지키려는 ‘항일 정신’

"까치 까치 설날은 어저께고요. 우리 우리 설날은 오늘이래요" 크리스마스에 '고요한 밤 거룩한 밤~'이라면 설날에는 단연 '까치까지 설날~'이다. 매년 한 번씩 들려오는 이 노래는 우리나라 전통 명절인 설날을 대표하는 노래이다. 서로가 덕담을 주고받으며, 새로운 한 해를 맞이하는 설날은 연휴 이전에 그 의미가 특별하며, 동요 ‘설날’에 담긴 숨은 메시지와 배경은 우리의 명절을 더욱 각별하게 만들어 준다. 동요 ‘설날’은 한국 최초의 창작동요 작곡가인 故 윤극영 선생의 작품으로, 1924년에 발표되어 약 100년 가까이 사랑을 받아온 음악이다. 1910년, 일제는 신민화 정책의 일환으로 매년 신정(양력 1월 1일)에 학생들을 모아 식가(式歌)를 부르게 했다. 당시 천황 중심의 근대화를 꿈꾸던 일본은 그들의 전통적인 음력 명절을 폐지하고 양력 명절을 추진했기 때문이다. 이에 분노한 故 윤극영 선생은 우리의 명절을 지키고자 어린이의 생활 감각을 통해 민족감정을 담은 동요 ‘설날’을 만들어 발표했다. 어린이의 시선에서 바라보는 신나는 설날의 풍경은, 새로운 신발을 장만하고 부모에게 세배하며 온 가족이 모여 즐거운 시간을 보내는 등 행복한 내용의 4절 가사로 담아냈으며 4분의 4박자로 경쾌하게 흘러간다. 이에 일제는 어린아이들이 부르는 동요 ‘설날’의 유행까지는 막지 못하였으며, 그 영향으로 어른들 역시 설 명절을 잊지 않고 전통을 지키고자 노력했으리라. 소파 방정환이 발행한 ‘어린이’ 아동 잡지 1924년 2월호에 실린 ‘설날’ 악보 동요 ‘설날’은 일제로부터 우리의 전통을 지키려는 항쟁이었다. 현대에 들어 양력이 표준으로 보급되면서 ‘해맞이’는 자연스레 신정(新正)에 의미를 두지만, 동요 ‘설날’을 통해 놀러 다니기 바쁜 연휴보단 우리의 전통 명절과 가치를 다시 한번 되새기는 기회가 되었으면 한다. 예년 같지는 않겠지만 모두가 새해 복 많이 받았으면 하는 마음이다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-01-30
세월을 입은 악기의 진정한 가치

잘 관리된 오래된 악기일수록 좋은 소리가 난다는 것은 음악계에서 통설로 이어지고 있다. 국내에서는 ‘에이징 효과’로 불리는 ‘번인(Burn in)’현상은 바이올린, 기타 등 목재로 만들어진 악기에 적용되며 그 논쟁은 지금도 여전하다. 오래되어 좋은 악기로 평가받는 ‘스트라디바리우스’ 바이올린 이미지출처=나무위키 금관악기를 제외한 대부분의 악기가 목재로 사용되는 이유는 나무의 특성에 있다. 나무는 악기로 연주된 진동이 음으로 방출되는 효과가 비교적 크며, 에너지의 손실이 적다. 이는 곧 악기 전체가 공명(共鳴) 하여 울림을 오래 머물게 하기 때문에 악기로써 적합한 것이다. 연주자들은 시간이 지날수록 악기의 분명한 소리 변화를 체감하였으며, ‘소리가 트인다’는 표현으로 ‘에이징 효과’를 지지한다. 악기가 오랜 시간 규칙적인 진동에 적응함과 동시에 목재의 숙성으로 함수율이 감소하고 탄성이 증가한다는 의견이다. 일본의 악기제조회사 ‘야마하’는 이러한 점을 착안해 A.R.E (Acoustic Resonance Enhancement)라는 기술을 개발, 운용 중이다. 그들에 따르면 오래된 나무가 더 좋은 소리를 낸다는 사실을 과학적으로 입증하였으며, 그 사실을 토대로 열, 습기, 압력 등을 이용한 독자적인 가공을 통해 목재의 세포 수준까지 노화를 복제하는 프로세스라고 소개한다. 야마하의 A.R.E 프로세스 이미지 출처=야마하뮤직코리아 이 밖에도 국내외 여러 악기제조회사들은 목재를 고온으로 가열하여 수분을 증발시킨 ‘탄화목’ 등을 사용하여 ‘에이징 효과’를 재현하고자 노력하고 있다. 반면 ‘에이징 효과’에 부정적인 의견도 적지 않다. 오래된 악기로 명성이 자자한 ‘스트라디바리우스’ 바이올린은 경매에서 약 190억 원에 낙찰된 적이 있다. 하지만 이 바이올린의 값어치는 단순히 오래되었음이 아닌, 그 제작자의 명성과 목재 자체에 있다고 일축한다. ‘스트라디바리우스’가 제작되었던 당시 유럽은 소(小) 빙하기라고 불릴 정도로 추운 시기였다. 이때 사용된 나무는 더 추운 지방인 북 크로아티아의 단풍나무를 사용했는데, 추운 지방의 나무는 보다 높은 밀도를 가지고 있으며, 당시 유럽의 기온에 의해 목재의 밀도는 더욱 높아졌다. 나무의 밀도는 곧 탄성으로 이어져 바이올린과 같은 고음역대 악기가 맑은 소리를 내는 데에 최적화된 것이다. 또한, 현대에 이르러 악기 제작 기술이 발전하면서 ‘스트라디바리우스’의 특별함에 의문을 품기 시작했다. 2011년 프랑스의 프리츠(Claudia Fritz) 연구진은 바이올린 연주자 21명을 대상으로 ‘스트라디바리우스 바이올린’ 2대, ‘과르네리 바이올린’ 1대 그리고 현대 기술로 만들어진 바이올린 3대를 각각 연주하게 했다. 실험 결과 대부분의 연주자들은 ‘스트라디바리우스’를 구별하지 못했으며, 심지어 최근에 만들어진 바이올린을 더욱 선호했다. 이는 곧 오래된 악기는 연주하는 세월만큼 소리가 익숙해져가는 심리적 요인이며, 목재의 숙성은 뚜렷한 변화를 야기하지 않는다는 증거이다. 기타에는 ‘레릭(Relic)’이라는 것이 존재한다. 이는 새 악기를 인위적으로 손상시켜 오래된 것처럼 보이게 만드는 작업으로 심지어 장인이 제작한 레릭 기타는 수백만 원을 호가하며 작품 취급을 받는다. 멀쩡한 악기를 낡아 보이게 만드는 정신 나간 짓은 어쩌면 빈티지에 대한 동경과 지나온 세월의 흔적을 느끼고 싶은 감성적인 요인으로 ‘에이징 효과’와 궤적을 같이한다. 애초부터 ‘에이징 효과’는 ‘잘 관리된 오래된 악기’라는 전제하에 과학적인 증명 자체가 불가능한 논쟁거리일지도 모른다. 기준 자체가 모호한 논쟁은 객관적인 증명에 애쓰기보다 ‘레릭(Relic)’의 이유처럼 감성적인 요인으로 받아들이며 악기와 세월을 함께하고 닮아가는 길이자 방법으로 다하면 어떨까. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표
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2022-01-22
층간 소음의 고유 주파수

지난 2021년 1월 13일 한 매체는 이휘재의 아내 문정원이 이웃으로부터 층간 소음 항의를 받았지만 미온적인 대처로 인해 논란이 확산되고 있다는 보도를 해 눈길을 끌었다. 이휘재 문정원 가족의 층간 소음 문제가 나오자 일부 누리꾼은 평소 이휘재가 방송에서 매트도 깔지 않고 쌍둥이들과 공놀이, 달리기 등의 행동을 했다면서 관련 영상을 캡처해서 올리기도 했다. 당시 보도 이후 문정원의 사과로 일단락되는 듯했지만 과거 한 방송 프로그램에서 이휘재와 아이들이 아파트에서 뛰어노는 장면이 소환되면서 비난의 목소리는 이휘재 문정원 부부에게 쏠렸다. 이들 부부는 살고 있는 집이 단독주택이라고 했지만 빌라촌인 것도 문제가 됐다. 층간 소음 문제는 개인을 넘어 심각한 사회적 문제로 자리 잡고 있다. 과거와는 달리 아파트와 같은 공공 주택이 늘어나고, 코로나19로 인해 집에 있는 시간이 많아지며 층간 소음에 대한 불편함은 점점 커지고 있는 상황이다. 국내 한 아파트 건설회사는 아예 층간 소음 저감 연구와 기술 개발, 실증을 위한 연구소를 짓기로 했다. 오는 4월 경기도 용인시 기흥구에 준공 예정이다. 사진=픽사베이 이웃 간의 불화가 불편을 넘어 참극으로까지 이어지는 상황에서 층간 소음의 원인은 무엇이고, 해결책은 없는 것인가. 음향학적으로 살펴보면 모든 물체는 저마다의 ‘고유 진동수’를 가지고 있다. 일반적인 주택의 바닥인 철근콘크리트 구조는 면적별, 시공사 별로 차이는 있지만 보통 135mm~150mm의 두께를 가지고 있으며, 알려진 바에 따르면 아이들이 ‘쿵쿵’거리며 뛰는 등의 ‘중량 충격음’은 약 63hz의 고유진동수를 가지고 있다. 이는 우리가 듣기 어려운 아주 낮은 소리의 주파수이지만, 63hz의 약 2~4차 배음인 126hz, 189hz, 252hz까지 콘크리트를 통해 아랫집으로 전달이 된다. 즉, 윗집에서 뛰는 소리 중 대부분은 아래층으로 전달되는 과정에서 손실되지만 약 63hz와 그의 배음은 손쉽게 전달되어, 우리가 들을 수 있는 저음의 ‘쿵쿵’ 소리로 들리게 되는 것이다. 콘크리트의 고유 진동수를 이해한다면 인터넷에 떠도는 대부분의 ‘층간 소음 복수 방법’은 효과가 거의 없음을 알 수 있으며, 최근 법원 판례에 따르면 역으로 처벌받을 수도 있으니 주의해야 한다. 유리잔과 같은 344hz의 고유 진동수로 공명을 일으켜 깨뜨리는 실험 출처 : EBS스페셜 ‘일상의 미스터리, 소리’ 갈무리 그렇다면 콘크리트의 해당 고유진동수를 억제하여 층간 소음을 막을 방법은 없을까. 사실상 현재로서는 아래층 입장에서 뚜렷한 해결책을 찾기는 쉽지 않다. 다양한 연구를 통해 천정을 타공하여 공기와 진동음을 분산시키거나, 이중 차음구조의 천정을 설치하는 방법이 개발되었지만 이마저도 비용과 공사 규모가 만만치 않다. 결국, 위층의 주의와 바닥 시공 등 아래층에 대한 배려가 우선이 되어야만 하는 상황이다. 최근 현대건설의 층간 소음 저감을 위한 바닥구조 신기술 발표로 인해 미래에는 층간 소음 갈등이 해소될까 하는 기대감이 커지고 있다. 하지만 당장 우리에게 적용되는 기술이 아닐뿐더러 이 역시 고통을 받는 아래층이 시도할 수 없는 방법이라는 점에 아쉬움이 있다. 층간 소음은 분명 사회적인 문제이자 해결해야 할 숙제다. 여러 사람이 함께 생활하는 공공 주택의 특성을 이해하고 이웃을 배려하는 마음을 통해 서로가 불편하지 않은 편안한 주거환경 조성을 모두가 노력해야 할 때이다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-01-15
음악과 자신만 존재하는 기술 '노이즈 캔슬링'

‘노이즈 캔슬링’은 비교적 쉽게 접할 수 있는 기술이 됐다. 애플의 에어팟, 삼성의 갤럭시 버즈 등 수많은 음향기기 회사들은 노이즈 캔슬링의 성능을 앞다투어 선보이며 이어폰, 헤드폰 시장에서 필수 경쟁력이 돼버렸다. 애플의 에어팟프로(왼쪽)와 갤럭시 버즈(사진출처=각사 홈페이지) 과연 노이즈 캔슬링은 무엇이며 소비자는 왜 이렇게 열광할까. 노이즈 캔슬링은 이어폰, 헤드폰 등을 통해 외부의 소음을 상쇄, 혹은 차단시키는 기술이다. 이 기술이 탑재된 이어폰을 끼는 순간 모든 것이 고요해지며 마치 세상에 혼자 남겨진 듯한 기분마저 든다. 사실 노이즈 캔슬링의 원리는 단순하다. 공기의 파동으로 이루어져 있는 소리는, 서로 다른 파동이 만나 겹쳐지며 ‘간섭’이 발생한다. 서로 다른 소리가 겹쳐져 강해지는 소리는 ‘보강 간섭’, 반대로 약해지는 소리는 ‘상쇄 간섭’이라고 하며 ‘노이즈 캔슬링’은 ‘상쇄 간섭’을 이용한 기술인 것이다. 즉, 이어폰에 장착된 마이크는 외부에서 들리는 소음(정위상)을 디지털 신호로 분석하고, 분석한 소음을 정반대의 소리(역위상)로 바꾸어 이어폰 내부의 스피커로 재생시킨다. 그 결과 ‘상쇄 간섭’ 효과로 인해 소음이 없어지거나(위상 캔슬) 줄어들게 된다. 간섭효과와 노이즈 캔슬링의 원리 ‘상쇄 간섭’을 이용한 노이즈 캔슬링의 사례는 지금도 다양하다. 전투기와 같은 항공기의 시끄러운 엔진 소리부터 조종사를 보호한다거나, 노면의 마찰과 바람 소리 등으로부터 정숙한 자동차의 소음 저감, 심지어 아이돌 가수의 MR 제거에도 사용된다. 하지만 노이즈 캔슬링의 한계 또한 존재한다. 현대에 들어와 소음을 디지털 신호로 분석하여 처리하는 ‘DSP(디지털신호 프로세서)’의 발전이 비로소 이어폰에 적용되어 누구나 즐길 수 있는 기술이 되었지만, 그 처리 속도의 한계로 인해 ‘완전한 무음’이 구현되지 않는다. 알려진 바에 따르면, 현재 노이즈 캔슬링 DSP는 약 1ms의 처리 속도로 노이즈 캔슬링을 만들어 낸다. 이는 1ms 보다 빠른 속도의 소리는 DSP가 처리하기 전에 귀에 도달하게 되어 노이즈 캔슬링의 효과가 떨어진다는 의미이며 시계 소리, 전화벨 소리와 같은 약 1kz 이상의 고음에 해당한다. 최근에는 이러한 노이즈 캔슬링의 단점을 보완하는 다양한 연구가 활발하다. 물론 지금의 DSP 기술로도 버스, 지하철, 환풍기 등 비교적 느린 속도의 주파수를 갖고 있는 일상적인 소음들은 대부분 제거할 수 있지만, 하루빨리 ‘완전한 노이즈 프리’기술이 완성되어 ‘음악’과 ‘나’만이 존재하는 세상이 펼쳐지길 기대해 본다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2022-01-08
짧고 강하게 '숏폼'

최근 숏 비디오 콘텐츠 플랫폼(이하 숏폼)이 그야말로 열풍이다. 약 15초 남짓한 짧은 영상 속에서 사용자들은 연기, 댄스 등 다양한 콘텐츠를 만들고 공유하여 새로운 소비문화를 만들어 가고 있으며, 배경음악 역시 중요한 역할을 하고 있다. 짧은 영상에 메시지를 담기 위해서는 음악의 정서적 도움이 필요할 것이며, 춤과 연기가 돋보일 수 있도록 만들어주는 것 역시 음악이기 때문이다. 따라서, 부드럽게 시작하다가 강렬한 힙합 비트가 추가되거나, 후렴 전 확실한 브레이크를 가지는 등 대부분 극적인 진행을 가진 음악들이 주로 선곡된다. (뢴쪽부터)틱톡, 인스타그램 릴스, 유튜브 쇼츠 아이콘 숏폼의 음악들은 영상과 함께 강렬한 인상을 남기며 대중들에게 또 한 번 주목되고, 자연스레 인기로 이어진다. 지난 2020년에는 틱톡에서 무려 176개의 음악이 10억 조회 수를 기록하였으며, 올리비아 로드리고의 ‘Drivers License’는 ‘이별담 챌린지’까지 탄생시키며 빌보드 핫 100 2주 연속 1위라는 기염을 토해냈다. 국내에서도 숏폼의 음악으로 화제가 된 사례를 심심찮게 찾아볼 수 있다. 최근, 2010년 방영된 만화 ‘꿈빛 파티시엘’의 OST가 ‘꿈빛 파티시엘 챌린지’를 통해 다시 한번 큰 인기를 끌었다. 서정적인 멜로디와 함께 꿈 많던 어린 시절을 떠오르게 만드는 이 곡은 11년 만의 역주행을 기록했으며, 실제 가창자인 ‘아이유’가 그녀의 유튜브 700만 구독자 달성 기념으로 커버해서 업로드 한 바 있다. 아이유 “꿈빛 파티시엘” 유튜브 영상 갈무리 이처럼, 현재 숏폼은 스포티파이 못지않은 지대한 영향력을 음악계에 행사하고 있다. 숏폼을 통해 수많은 아티스트들이 탄생하고 역주행의 기회를 얻고 있으며, 이제는 마케팅의 일환으로 숏폼을 위한 음악까지 만들어내는 상황이다. 미국의 가수 드레이크는 음악 ‘Toosie Slide’의 안무를 누구나 따라 하기 쉽게 만들어 틱톡 챌린지를 제작하였고 비욘세의 ‘Savage’, 애리조나 저바스의 ‘Roxanne’ 등도 틱톡을 시작점으로 마케팅한 예다. 국내의 음반사들 역시 숏폼의 영향력을 인정한 듯 발 빠르게 대응하고 있다. 카카오는 자사 ‘멜론’과 틱톡의 제휴를 통해 영상 속 배경음악의 정보를 공개하고 있으며, ‘멜론’에서 서비스하는 음악으로 제작된 틱톡 영상들의 목록 또한 제공한다. SM, JYP, YG 등은 인스타그램의 릴스와 손잡으며 배경 음악의 차별화를 시도하는 중이다. 숏폼은 이제 대중음악 소비의 판로를 바꾸었다. 단순히 듣기만 하던 음악에서 벗어나 이제는 직접 참여하여 새로운 콘텐츠를 만들고, 곧 트렌드로 이어진다. 짧은 영상이 가진 순간적인 몰입력은 점점 더 다양해지는 아이디어와 변형을 통해 무한한 가능성 속에서 새로운 경험을 만들고 있는 것이다. 숏폼은 대중음악의 가장 큰 소비층인 Z세대로부터 빠르게 성장한 플랫폼이다. K 팝의 성장에 2차 콘텐츠의 역할이 지대했듯이, 이제는 일시적인 유행이 아닌 새로운 콘텐츠이자 문화로써 인정하고 받아들여야만 할 것이다. 글=오지헌 칼럼니스트(STUDIO AM 대표)
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2021-12-18
‘음악저작권 거래 플랫폼’ 찬반 논란

최근 코로나19의 장기화로 인한 경제 불황 속 다양한 투자방식이 떠오르고 있는 가운데 ‘음악저작권 거래 플랫폼(뮤직카우)’이 다시 한번 주목받고 있다. 원더걸스 멤버 선미의 뮤직카우 광고화면 좋아하는 음악의 저작권을 주식과 같은 ‘주’단위로 구매하여 곡의 흥행에 따라 변동되는 시세차익과 더불어 매달 정산되는 저작권료의 일부를 정산 받을 수 있다는 방식이다. 하지만, ‘음악저작권 거래 플랫폼’이라는 이름이 무색하게도 실제 거래되는 건 통상적으로 이해하고 있는 저작권의 권리가 아닌 ‘음악저작권료 참여 청구권’으로, 이는 법적으로 규정된 권리나 용어가 아닌 ‘뮤직카우’에서 발행한 일종의 채권과 같은 개념으로 이해할 수 있다. 음악 저작권에는 크게 저작인격권과 저작재산권, 저작인접권으로 나누어진다. 이 중 ‘뮤직카우’는 양도가 가능한 저작재산권과 저작인접권을 각각의 저작권자(작곡가 등)와 인접권자(기획사 등)에게 권리를 일부 취득 받아 수익의 권한을 지분으로 쪼개어 회원에게 판매한다. 따라서, ‘음악저작권료 참여 청구권’의 지분으로는 해당 음악의 주주로써 어떠한 권리도 행사하지 못한다. 문제는 이러한 입찰 방식의 저작권 지분 거래에 대한 과도한 등락에 어떠한 대처도 할 수 없다. 주식 시장에서는 주가가 갑자기 급락하는 경우 일시적으로 거래를 중단시키는 ‘서킷브레이커’라는 제도가 마련되어 있지만, 저작권 관련 투자에 대해서는 아직까지 감독이나 관리 규제 사각지대에 놓여있는 게 현실이다. 차트 역주행으로 인기를 이어가는 ‘브레이브걸스’의 ‘롤린’은 올해 초 대비 약 19배의 상승을 기록했으며 지난달 23일, ‘전우성’의 축가는 전일대비 42%가 하락하고, 다음날 반등했다. 반면, ‘음악저작권 거래 플랫폼’에 대한 응원의 목소리도 나온다. 정형화된 투자방식이 아닌 공유의 패러다임 속에서 일반적으로 접근하기 힘든 ‘저작권’이라는 새로운 분야의 투자기회를 마련하게 되었으며, 저작권자들은 자신의 저작재산권을 판매, 공유함으로써 추가 창작활동에 대한 자본금을 마련하는 기회가 될 수 있다. 앞으로 ‘음악저작권 거래 플랫폼’이 새로운 가치로서 자리매김할지는 지켜봐야 하겠지만, 보호적 제도의 조속한 마련과 그 법의 테두리 안에서 음악 저작권자와 소비자 모두가 상생해 나갈 수 있는 발판이 되길 기대해 본다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2021-12-10
절대음감의 딜레마

언제부터인지 ‘절대음감’을 훌륭한 음악가의 기준으로 평가하는 경우가 가끔 있다. 한번 들은 음악을 단번에 연주하거나 지나가는 자동차 소리의 음을 맞추는 등 음악가라면 가히 놀랄만한 능력을 보유해야 하며, 만일 기대에 부흥하지 못하면 마치 열등한 재능의 소유자로 바라보는 이상한 시선이다. 그렇다면 대중들이 기대하는 ‘절대음감’은 무엇이며, 과연 음악적 재능을 결정짓는 척도로 사용될 수 있을까 절대음감을 소재로 한 영화 ‘어거스트 러쉬’ 스틸컷 ‘절대음감’이란 어떤 음을 들었을 때 그 고유의 음높이를 이름으로 말할 수 있는 능력이다. 사람은 누구나 어떤 음을 두고 높은 음인지 낮은 음인지를 대략적으로 알 수 있지만 ‘절대음감’은 이 음의 절대적인 높이와 음이름을 동시에 파악한다. 누군가 연주한 음악을 즉석에서 따라 연주할 수 있는 것도 그 음악의 음들을 정확히 알아낼 수 있기에 가능한 것이다. 하지만, ‘절대음감’을 구분하는 그 기준부터가 사실 모호하다. 보통 ‘절대음감’은 어린 시절 훈련을 통해 얻을 수 있다고 알려져 있는데, 이때 접한 악기에 따라서도 상이하기 때문이다. 피아노를 주로 접했던 사람은 피아노의 조율 방법인 평균율에 맞춰진 ‘절대음감’을 가지고 있고, 바이올린을 주로 접했던 사람은 순정률에 맞춰진 ‘절대음감’과 함께 연주 특성상 조금 더 음높이에 민감하게 반응하기 때문이다. 즉, 평균율과 순정률은 같은 음이라도 미묘하게 다른 음높이를 가지고 있으며, 절대적인 음감의 기준에 있어서 미분음을 가지고도 대상음과의 높이(Pitch) 차이를 구분하는 가능 여부가 다른 것이다. 반면, ‘상대음감’은 ‘절대음감’과 비슷하지만 기준이 되는 음을 필요로 한다. 머릿속에 절대적인 음의 기준이 없기에 기준 음을 토대로 대상음과의 차이를 계산해 음정을 파악하기 때문이다. 따라서, 음악이 각각의 음의 구성으로 들리는 ‘절대음감’과 달리 ‘상대음감’은 음정의 거리에 따라 화음의 진행과 느낌을 우선적으로 듣게 된다. 현대에 와서는 음을 수직적으로 바라보는 ‘절대음감’을 음악의 방해요소로 평가하고, 화음과 조화를 어우를 수 있는 ‘상대음감’을 높이 평가하고 있다. 하지만, 시대를 역행하는 ‘절대음감’ 찬양론은 교육기관에 마저 팽배해 있는 게 현실이다. 국내의 몇몇 음악대학의 입학시험에는 ‘청음’이라는 과목이 존재한다. 단순히 음을 듣고 알아맞히는 수준을 넘어 조(Key)가 없이 완전히 뒤죽박죽 섞인 ‘무조’의 음계 혹은 화음을 듣고 악보로 적어내야 한다. 음악을 전공하는 데 있어서 기초적인 청음 능력은 기본 소양일 테지만, 음악적 재능을 저울질하는 하나의 척도로써 변별력이라는 명목하에 ‘절대음감’에 가까운 능력을 갖추길 바라는 입시 현실에 개탄을 금치 못한다. ‘절대음감’은 음악적 재능과 예술성에 뚜렷한 관계가 성립하지 않는다. 훈련을 통해 음과 음높이를 기억하는 것은 단순한 인지력과 기억력에 기초한 것이며, 그마저도 기준 자체가 모호하기 때문이다. 슈만과 바그너가 그랬듯, ‘절대음감’ 없이 음악가로 성공한 사람은 수도 없이 많으며, 막연한 음감에 대한 환상보다 음악을 음악으로써 느낄 수 있는 올바른 교육과 노력이 필요하다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2021-12-03
‘위드 코로나’와 언택트 콘서트

지난 14일, ‘2021 월드 케이팝 콘서트’가 성황리에 마무리됐다. ‘위드 코로나’를 맞아 정부 차원에서 개최한 이번 콘서트는 약 3000명 규모의 팬과 함께 대면으로 진행됐으며 그동안 얼어붙었던 대중음악 공연계에 활기를 불어넣고 있다. ‘2021 월드 케이팝 콘서트’ 현장 사진출처=한국 국제문화교류진흥원 한류지원팀 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 사태 이후 대중음악계는 많은 것이 바뀌었다. 사회적 거리두기로 인해 공연에 대한 방역조치가 엄격하게 적용되다 보니 대중음악 콘서트 매출액은 지난해보다 85%가량 감소했다. 팬데믹 장기화로 인해 대면접촉을 피하는 ‘언택트 콘서트’가 활성화됐다. 온라인으로 공연을 즐길 수 있는 새로운 문화가 태어났다. 하지만 언택트 콘서트는 현장 콘서트 분위기를 그대로 전달하기에는 부족한 게 사실이다. 일상 회복을 위한 ‘위드 코로나’가 시행되면서 연말 성수기를 앞두고 공연기획사들은 우후죽순으로 공연 일정을 발표하고 있다. 콘서트를 기다리고 있던 팬들의 기대도 높아지고 있다. 하지만, 코로나19가 아직 끝나지 않았다. 당장 ‘언택트 콘서트’가 사라지지도 않을 것이다. 이미 새로운 문화로 등장한 '언택트 콘서트'는 방역조치로 탄생한 단순한 돌파구가 아닌 핵심 산업으로 발전할 가능성이 크다. 기술의 발달과 소비의 다양성은 ‘언택트’ 문화를 지속시킬 수 있다. ‘언택트’는 동일한 비용 대비 홍보효과가 더 크다. 실시간 소통도 가능하다. ‘AR 합성기술’을 이용해 무대를 다채롭게 만들고 ‘3D 입체 사운드 기술’을 통한 입체적 사운드를 제공한다. 만약 콘서트 무대 바로 앞 좌석 양끝에 앉아 한쪽 스피커에서 나오는 소리만 듣는 것보다 스피커나 이어폰만으로도 훌륭한 사운드를 들을 수 있다. 화려한 카메라 워크를 통해 아티스트의 열창을 감상할 수 있다면 감동을 느끼기에 충분하다. 레오나드로 다빈치의 '모나리자'를 굳이 직관하지 않아도 해상도 높은 사진을 통해 감상할 수 있다. 콘서트도 마찬가지다. 실제 콘서트 현장에 가지 않더라도 언택트 콘서트를 통해 감동을 받을 수 있다. ‘위드 코로나’와 오프라인 공연의 활성화로 공연업계의 호황은 기대되지만 코로나19가 만든 ‘언택트 콘서트’를 임시방편으로만 치부하지 말았으면 한다. BTS의 ‘언택트 콘서트’ 사진출처=빅히트 뮤직 코로나19 사태 이후 사회가 변화한 것처럼 콘서트도 다양해지면 어떨까? 오프라인과 온라인은 소통 방식과 효과가 명확히 다르다. 실제 콘서트와 언택트 콘서트는 분명히 다르다. 직관하거나 대면만이 유일하다는 관점에서 벗어나 온오프라인의 장점을 서로 조화롭게 결합하거나 공존할 수 있는 방법을 모색할 때다. 코로나19는 사라져야 하지만 '언택트 콘서트'는 남아있기를 희망한다. 글=오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2021-11-26
나이가 들면 들리지 않는 소리

한동안 ‘청력 테스트’가 유행처럼 번진 적이 있다. 고음역대의 주파수 음을 단계별로 재생하고 얼마나 높은 소리까지 들을 수 있느냐에 따라 ‘귀 나이’를 측정되는 '청력 테스트'였다. 고음으로만 청력을 판단하는 단순한 청력 테스트를 흥밋거리로 치부할 수도 있겠지만 실제 병원에서 측정하는 ‘순음 청력검사’와 유사해 상당히 과학적이라는 평가도 있다. 모든 청력을 가진 동물들은 청각 기관을 통해 들을 수 있는 주파수가 정해져 있다. 이를 가청 주파수라고 한다. 인간은 약 20~20,000hz의 주파수를 들을 수 있다. 하지만 나이가 들수록 달팽이관 입구의 신경 손상으로 인해 고음역대의 청력부터 점점 손실된다. ‘나이에 따른 청력 감소 그래프’ 출처= avs 포럼 청력의 손실은 약 30대부터 시작된다. 청력 손실 범위는 시간이 지날수록 급격하게 증가한다. 나이가 들수록 ‘청력 테스트’에서 좋은 결과를 얻지 못한다. 나이가 들어 청력이 약해지면 보청기를 찾게 되는 이유도 여기에 있다. 한림대학교 대학원 ‘한국어 음소의 주파수 특성에 관한 연구’에 따르면 주요 한글 발음의 주파수가 1000hz 이상, 4000hz 이상에 집중돼 있다. 청각 손실이 심각하면 주요 발음의 주파수 대역이 들리지 않아 소통이 되지 않는 ‘노인성 난청’이 나타날 수 있다. B&W의 하이엔드 스피커 출처=bowerswilkins.com 나이가 들면서 청력이 약해질수록 고음을 갈망한다. 하이파이 스피커 브랜드들은 이런 점을 노리고 저음역대보다 깨끗함, 투명함, 디테일과 같은 고음역대의 소리를 강조한 시스템을 개발하고 마케팅에 나섰다. 비싸지만 하이파이 스피커를 구입할 수 있는 소비자는 재력을 갖춘 중년층이라고 업체는 판단한 것이다. 최근 이어폰을 이용하는 젊은 세대가 많다. 오랜 시간동안 볼륨을 높여 이어폰을 사용하면 청력이 손실돼 ‘귀 나이’가 실제 나이보다 높게 측정될 수 있다. 하지만 한번 손상된 청력은 회복되지 않는다. 유일한 해결 방법은 예방 뿐이다. 오랫동안 음악을 즐기려면 지금부터 당장 귀를 아껴야 한다. 귀를 적절히 쉬게 하는 습관이 필요하다. 글 = 오지헌 칼럼니스트 (STUDIO AM 대표)
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2021-11-19